Lagerfeld y su exquisito sentido del humor


Reincarnation is the title of the video-clip created and directed by Karl Lagerfeld to accompany the Paris-Salzburg 2014/15 Métiers d’art collection to be shown on December 2nd, 2014 in Salzburg.

This new short film was the perfect opportunity for Karl Lagerfeld to develop an artistic collaboration with Pharrell Williams, a close friend of the House and personal friend of the designer. In fact, the artist composed and wrote the lyrics to “CC The World”, the original soundtrack for Reincarnation, and he also played one of the lead roles and will be, along with Cara Delevingne, the face of the upcoming campaign of the Paris-Salzburg 2014/15 Métiers d’art collection.

Once again Karl Lagerfeld had imagined an episode from the life of Gabrielle Chanel. Embodied by Geraldine Chaplin, Gabrielle Chanel is holidaying in the suburbs of Salzburg in 1954. At her hotel she meets a young lift-boy played by Pharrell Williams who wears a jacket which would later inspire the iconic CHANEL jacket.

It was time to show the origins of the CHANEL jacket, inspired by the one worn by the lift attendant in a hotel near Salzburg in the 1950s (…) Reincarnation is the story of a lift attendant’s jacket being reincarnated as a timeless piece of women’s wear,” declares Karl Lagerfeld.

Reincarnation is also the evocation of another era, that of the Austro-Hungarian Empire, which Karl Lagerfeld brings to life for one night in the heart of the 1950s.

Karl Lagerfeld adds: “None of this would have been possible without Pharrell Williams, Cara Delevingne and Geraldine Chaplin. It’s the perfect cast. Pharrell is a genius and Geraldine at her best in the role of Gabrielle Chanel in the year of her comeback.”

Reincarnation will be screened in Salzburg on December 1st, 2014 the night before the Paris-Salzburg 2014/15 Métiers d’art show.03-Reincarnation by Karl Lagerfeld - making of - picture O.Saillant_LD

01-Pharrell Williams & Cara Delevingne - Reincarnation by Karl Lagerfeld - picture Karl Lagerfeld_LD

Paris by Chanel

It all began in rue Cambon, first at N°21 where Gabrielle Chanel opened her millinery shop in 1910, and then at N°31, the address of a lifetime.
Number 31 is home to the salons where Gabrielle Chanel would present her collections, the ateliers where the seamstresses fashioned her designs, the legendary mirror-lined staircase and even her apartment. And still today the myth continues on. It’s here at this very address and in the same Studio that Karl Lagerfeld continues to design his collections for CHANEL. These days the elegant understated salons restyled by the designer, welcome the celebrities and Haute Couture clients who come for their fittings. The staircase is still there and the ateliers continue to bring the design sketches to life.

Then it’s on to the Ritz, where Gabrielle Chanel took up residence in 1937 and remained until her death. From the dining room which looks on rue Cambon she could see customers on their way to her boutique. Her suite overlooks place Vendôme, whose octagonal shape inspired her for the stopper of the N°5 perfume bottle. Today, the House of CHANEL’s Fine Jewellery and Watches is installed at N°18 place Vendôme.

Next comes the Grand Palais, the theatrical backdrop to the CHANEL runway shows. Beneath its gigantic nave, Karl Lagerfeld’s collections offer a moment of dreams, season after season.

From Gabrielle Chanel to Karl Lagerfeld, discover these mythical addresses which have forged the legend of the House and where the story of CHANEL continues to be written today.

Chanel & Sports

“I invented the sports dress for myself; not because other women played sports, but because I did. I didn’t go out because I needed to design dresses, I designed dresses precisely because I went out, because I have lived the life of the century, and was the first to do so.”  Gabrielle Chanel


Gabrielle Chanel discovered sports with Etienne Balsan, a horse enthusiast who opened the doors for her to the racecourse and stud farms, and introduced her to riding in 1906. Two years later, she met Arthur Capel, known as Boy Capel, an English businessman who would become the great love of her life, and who was himself a fervent horseman and keen polo player. The designer would further cultivate her love of horses with the Duke of Westminster. It made perfect sense that she should design comfortable riding trousers adapted to her own needs.

But beyond all the sporting disciplines, it was her discovery of jersey thanks to Arthur Capel that would confirm sportswear as part of women’s wear. In 1913, Gabrielle Chanel opened a boutique in Deauville where she had noticed the striped jersey tops worn by the fishermen. The following year this fabric which allows greater freedom of movement, appeared in her collections.

002 - Gabrielle Chanel and Arthur Capel in front of CHANEL boutique in Deauville in 1913-®Photo D.R.

010---Opera-singer-Marthe-Davelli-and-Gabrielle-Chanel-on-a-yacht-bridge-circa-1930-�CHANEL---Collection-Denise-Tual005---Gabrielle-Chanel-in-Scotland-wearing-sportswear-in-1931-®Photo-D.R.On February 28th 1916, WWD’s title read: Chanel’s Sport Costumes, increasing in popularity daily on the Riviera”. The article described the enthusiasm of women for Chanel’s sports clothes. The success was such that in 1921 a sports atelier was created within the House. Coats, tennis dresses with a boat neck, soft suits, sweaters for golf and the beach were all inspired by the personal wardrobe of Gabrielle Chanel and earned the designer international acclaim and the paternity of a new look, bursting with youth and in keeping with a lifestyle where outdoor activities, women’s access to sporting disciplines, and the coastal resorts were all booming.

Coco Chanel

During their time together from 1920-1930, Gabrielle Chanel and the Duke of Westminster alternated between yachting, hunting, fishing and rounds of golf. An ardent enthusiast for the great outdoors, Mademoiselle Chanel borrowed her lover’s sporting outfits designed specifically for his own lifestyle.
As her own first client and a great multi-disciplinary sportswoman, Gabrielle Chanel knew better than anyone else w004---Gabrielle-Chanel-and-the-Duc-of-Westminster-on-his-yacht-The-Flying-Cloud-in-1928-®CHANEL---Collection-Denise-Tuahat was required to meet the exacting criteria of clothes adapted to sport and to everyday life.

“I, who like women, I wanted to give her outfits in which she would feel at ease, in which she could drive a car and at the same time emphasise her femininity in dresses which hug the body.”

Likewise, when she spent her winters in Saint-Moritz at the beginning of the 1930s, Gabrielle Chanel would ski in whipcord trousers and polo neck sweaters with ribbed cuffs and waist. Her collections dedicated to winter sports also included elegant outfits for ice-skating providing the greatest possible comfort. For summer and yachting, Mademoiselle Chanel offered swimming costumes, bathing dresses as well as fluid beach wear.

012---Gabrielle-Chanel-in-swimsuit-on-the-beach-around-1930-�CHANELD.R.011 - Gabrielle Chanel and Roussy Sert on a boat circa 1935-�Photo D.R.In 1924 when Gabrielle Chanel was chosen by Serge Diaghilev to create the costumes for his ballet Le Train bleu, the couturier put on the stage the fashions she wore on a daily basis, all inspired by the sports she practiced. It was a real tennis dress and not a costume from Gabrielle Chanel’s atelier that appeared in the show.

Cocteau And Friends

Continuing with the development of sports attire, Gabrielle Chanel also pursued her work on supple, simple and comfortable lines and initiated her own definition of sportswear through suits, dresses, blouses and striped jersey tops. To accessorise these looks the designer reinvented her famous two-tone shoe in 1966 as a sporty slightly high-top version in box beige and black with satin laces.

014 - L'Art et la Mode, March 1966 p 26-� Les Editions Jalou, L’Art et la Mode, 1966

Solo 11 mujeres en la lista de los CEOS mejor pagados

Entre los doscientos CEO mejor pagados en Estados Unidos apenas hay una decena de mujeres, once en concreto y que encabezaMartine A. Rothblatt, líder de United Therapeutics y considerada la décima CEO mejor pagada según la lista de la consultora Equilar que publica The New York Times.

La siguiente en aparecer en esta lista es la presidenta y CEO de Yahoo, Marissa Mayer, en el puesto número 34. Le siguen Carol M. Meyrowitz, de TJX Companies (puesto 56); Phebe N. Novakovic, de General Dynamics (78); y la presidenta de Hewlett-Packard, Margaret C. Whitman, (95). Después del ecuador de la lista, se incrementa el número de mujeres, comenzando por la presidenta de Lockheed Martin, Marillyn A. Hewson, en el 119, y seguida por Irene B. Rosenfeld, de Mondelez International (146); Virginia M. Rometty, de IBM (148); Mindy F. Grossman, de HSN (157); Ellen J. Kullman, de Dupont (174); e Indra K. Nooyi, de PepsiCo (176).

Son pocas y ganan menos

La desigualdad no viene solo por el exiguo número de mujeres que aparecen en la lista, también vuelve a aparecer la brecha salarial ya que el salario medio de las mujeres en la lista de los 200 directivos es de 15.7 millones de dólares, 1.6 millones menos que el medio para los hombres y el grupo en su conjunto.

Son muy pocas las mujeres en el estudio de Equilar como para llegar a alguna conclusión definitiva sobre el género y los sueldos a nivel directivo. Sin embargo, los hallazgos de toda una gama de economistas que han estudiado los sueldos de los altos ejecutivos indican que la tendencia es que a las mujeres en puestos de alta jerarquía les vaya tan bien como a los hombres en la misma categoría.

Tomado de News Women in Management de la Red de Mujeres Latinoamericanas y del Caribe en Gestión de Organizaciones

Rosie la Remachadora: la verdadera historia que esconde el icono del feminismo

¿Por qué una ilustración de 1942 sigue inspirando al mundo? La mujer del pañuelo de lunares que se arremanga para marcar músculo no nació, precisamente, con la voluntad de empoderar a la mujer.

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Geraldine Doyle, la mujer que inspiró el histórico póster.

Foto: AFP

Hace unos días Beyoncé actualizaba su perfil de Instagram con una imagen cargada de significado. En ella podía verse a la cantante caracterizada como uno de los mayores iconos de empoderamiento reconocidos por la cultura popular, Rosie la Remachadora (Rosie the Riveter, en inglés). La fotografía no iba acompañada de ningún texto pero la carga simbólica era evidente y nada sutil: la poderosa vestida de empoderada, un icono multiplicado al cuadrado. Hasta la fecha ha conseguido 1.240.000 ‘me gusta’ en la red social.










La imagen de Rosie ha sido absorbida por la cultura popular occidental, pasando a convertirse en una figura ligeramente exenta de significado. Aunque su mensaje está claro, el efecto de la reproducción en cadena (al modo de la lata de sopa de Warhol) ha hecho que su historia se haya distorsionado, para convertirse en un emblema de la mujer trabajadora e independiente. Porque, si hacemos memoria, no siempre ha estado asociada al mismo tipo de empoderamiento femenino que representa en la actualidad.

Las ‘Rosies’: obreras para la Guerra

Pese a tener un nombre propio, Rosie no representa a una sola mujer, sino a miles. A principios de los años 40, coincidiendo con la II Guerra Mundial, muchos hombres estadounidenses abandonaron sus puestos de trabajo para partir al frente. El Gobierno comenzó entonces una potente campaña para convencer a las mujeres de que ocupasen su lugar en las fábricas.

Publicidad y vídeos promocionales apelaban a su incorporación laboral. La maquinaria para introducir a la mujer como mano de obra barata para la guerra fue otro de los bastiones de la propaganda militar estadounidense. Una estrategia que desprendía cinco factores y mensajes clave para conseguir sus objetivos:

1) Apelaba a su deber patriótico: si no trabajaban, más hombres morirían en la guerra.

2) Las animaba a conseguir su propio sueldo, aunque después se documentaron luchas y huelgas de trabajadoras por los bajos salarios.

3) Las mujeres que trabajaban eran glamourosas (por eso se popularizó la imagen de los complementos para el pelo y el maquillaje en sitios de trabajo como fábricas de aviones).

4) Se comparaba el trabajo en las fábricas de la guerra con el trabajo doméstico. El mensaje que desprendían estas campañas era que las mujeres ‘ya tenían todas las habilidades’ para hacerlo porque eran una expertas en las tareas del hogar.

5) Se creó el ‘orgullo de esposa’. La irrupción de las mujeres en el mundo laboral podría haber creado un conflicto con el sexo masculino que no había ido al frente. Para evitar que éste se sintiese amenazado con la idea de que ellos no podían alimentar por sí mismos a su familia, se reforzó el mensaje de que debían apoyar a estas mujeres, tanto si eran mujeres de soldados como si no.

La propaganda fue, de hecho, bastante efectiva: de 1941 a 1945 el porcentaje de mujeres trabajadoras en EEUU subió del 27 al 37%. El 50% de esas mujeres desarrollaron trabajos relacionados con la industria de defensa. Hasta la revista Life les dedicó una portada, en agosto de 1943, con un extenso reportaje fotográfico (se puede ver aquí) de la ‘Rosies’ que levantaron la industria estadounidense.

Sin embargo, el papel femenino en el mercado laboral tenía una fecha límite: el fin de la guerra. En cuanto los combatientes volvieron de la batalla, ellas regresaron a su puesto de amas de casa, por muy eficientes que hubiesen sido en sus puestos de trabajo. Todas perdieron sus privilegios, incluso Wonder Woman, la superheroína que se creó para empoderar a estas mujeres que adquirían el rol de los hombres en combate, abandonó su espíritu independiente después de la guerra. En 1947, el cómic se convirtió en un romance y la joven diosa dejó de ser feminista.

Paradójicamente, con el paso de los años, la imagen más iconográfica de las ‘Rosies’ terminaría convirtiéndose en un emblema feminista.

Rosie Riveter

No existió una ‘Rosie’ única, existieron miles. Fue la masiva entrada al mercado laboral que propició la II Guerra Mundial y la marcha masiva de hombres al frente en EE UU. En la foto, una remachadora en 1944.

Foto: Cordon Press

Rosie, el icono

Dos mujeres (y una canción) son las precursoras de este legado iconográfico que en realidad fue orquestado por el Gobierno de Estados Unidos y agencias publicitarias como J. Walter Thompson. Primero llegó un himno claramente propagandístico: en 1943 se creó la canción Rosie the Riveter, con letra de Redd Evans y John Jacob Loeb e interpretada por artistas como Kay Kyser (el tema incluía versos como Rosie está haciendo historia, trabajando por la victoria, Rosie la Remachadora). La canción hablaba de su novio Charlie, un marine que se había ido al frente y al que Rosie protegía apoyando al país con su trabajo.

Uno de los rostros más reconocidos de la propaganda de EE UU fue Rosie Will Monroe. Una joven de Kentucky que trabajó en una de las fábricas de Michigan y que se encargó de poner su rostro a los vídeos promocionales  interpretando a Rosie the Riveter y reclamando el esfuerzo laboral femenino para ganar la guerra.

Después llegarían las representaciones gráficas. En 1943, The Saturday Evening Postpublicó en una de sus portadas un dibujo de Norman Rockwell protagonizado por una remachadora algo menos ‘glamourosa’ que la Rosie que todo el mundo reconoce. En su tartera aparecería el nombre de Rosie, influenciado posiblemente por la susodicha canción, y pisaba un ejemplar de Mein Kampf de Hitler.

Meses más tarde se popularizaría un póster con fecha anterior: la ilustración que The Westinghouse Power Company encargó a J. Howard Miller para subir la moral de sus trabajadores. Ésta acabaría pasando a la posteridad y a ser una de las más reproducidas del movimiento feminista: la trabajadora con el pañuelo en la cabeza y el brazo flexionado con el puño cerrado con la frase “¡Podemos hacerlo!”. La imagen estaba inspirada en una fotografía de Geraldine Doyle, una trabajadora de una acería de Chicago que por aquel entonces tenía 17 años y que desconoció totalmente la existencia del cartel hasta 1982, cuando lo vio en una revista y se reconoció.

La imagen volvió a cobrar fuerza en los 70 y los 80 con fines feministas y el resto es historia del consumo: del póster pasó a camisetas, chapas, mecheros, llaveros y casi cualquier objeto personalizable.

Fruto de esta absorción de la cultura pop, cabe destacar que Beyoncé no ha sido la única en caracterizarse como Rosie. En 2009 Alexis Bledel (conocida por su papel en la serieGilmore Girls) posó para la revista Glamour imitando al conocido personaje y Pink se vistió como ella en su videoclip Raise your Glass. Incluso la propia Marge Simpson fue portada de la revista UTNE en 2011 con su bandana, su camisa remangada y el puño a la vista: fusión de iconos.


Alexis Biedel o Marge Simpson han sido retratadas celebrando el empoderamiento femenino.

Foto: Glamour/ UTNE

Paridad en el planeta Lego

Ladrillos rosas, ladrillos azules

Lego lanza una nueva línea de figurines de mujeres científicas tras ser criticado por sexismo

Las nuevas figuras de Lego son mujeres científicas.

Una paleontóloga, una química y una astrónoma. Todas ellas, con sus laboratorios y equipo de investigación, no levantan más de cinco centímetros del suelo. Son las tres novísimas científicas de Lego, un set de muñecos —diseñados por la científica sueca Ellen Kooijman— con el que la compañía quiere cambiar la imagen de empresa sexista que se ha ganado en este 2014. La compañía danesa, que se había destacado desde su fundación en 1934 por tratar al niño como niñ@, lleva un año negro con ataques a sus películas, sus juguetes y especialmente a su línea exclusiva para chicas.

Todo empezó con una carta enviada a la compañía por una niña de siete años el pasado mes de febrero. Charlotte Benjamin se quejaba de que “hay muchos chicos Lego y apenas chicas Lego”, argumentando además que estas muñecas “solo se dedican a estar en casa, ir a la playa y que no tienen trabajos, pero los chicos viven aventuras, trabajan, salvan a gente… incluso nadan con tiburones”. La carta se retuiteó miles de veces y saltó a medios como The Guardian. Incluso inició una petición en la web que llegó a contar con más de 40.000 firmas para cambiar esta situación. Y cabe comentar que esta nueva línea de juguetes no es una idea original de Lego, sino que nace de la científica Kooijman que envió a la web de la juguetera Lego Ideas su proyecto.

Este año una niña

de siete años protestó

por carta a Lego

Este curso, Lego ha cumplido 40 años en España y convocó para celebrarlo por primera vez una rueda de prensa. Entre el vaivén promocional hubo ocasión para tocar este espinoso tema. César Ridruejo, director general de Lego Iberia, se parapetó tras un estudio de mercado: “Es verdad que antes Lego era más unisex. Estábamos perdiendo una cuota de mercado. Se hicieron muchos estudios antes de sacar Lego Friends”. Estudios que consistieron en seguir en el día a día a las niñas de familias americanas y europeas. Las conclusiones respecto a sus gustos, según Ridruejo: “La amistad, las mascotas y, sobre todo, los detalles, por encima de la construcción”.

Y sin embargo, en su mismo campo, una compañía sueca les quitó la razón. Mojang, autores del tercer videojuego más vendido de la historia,Minecraft (más de 54 millones de copias), devolvieron en el mundo virtual la esencia de esta línea de juguetes. La construcción pura y dura. El usuario tiene como único objetivo construir, demostrar su creatividad. Y eso ha explotado en que jugadores de ambos sexos intentan erigir sus capillas sixtinas para asombro de los internautas. A pesar de que las mujeres pioneras en jugar al Minecraft hayan sufrido el acoso de los usuarios varones, las visitas a la web, que acumula 7 millones cada mes, revelan un dato esencial: el 58% son mujeres, según cálculos de Google.

Anuncio de Lego de 1981.

Basta una visita virtual a la tienda de Lego Friends, la línea exclusiva de chicas, para ver que esta pasión por el ingenio que Minecraft tomó de Lego ha dejado paso a otros mensajes. Esta web desvela los siguientes eslóganes: “Es un caluroso día y eres la camarera de la cafetería. ¡Asegúrate de tomar buena nota de las órdenes para ganar puntos!”, “¡Conviértete en la mejor estilista en el famoso salón de belleza Mariposa!”, “¡Cambia la imagen de las amigas de Lego Friends para que se parezcan entre sí!”. Aunque la compañía recuerda que también existe en Friends una chica científica con su laboratorio. Pero admite que hay muchas menos profesiones y que el enfoque no está en la construcción. Su director general en España justifica esta estrategia con el éxito: “Creo que hemos dado bastante en el clavo. La línea Lego Friends está creciendo de manera importante”.

La preocupación por este mensaje en las áreas más aparentemente ligeras de la vida, las del ocio, está viviendo un gran auge. En los videojuegos, la primera industria cultural del mundo en facturación, críticas culturales como la canadiense Anita Sarkeesian (Ontario, 1984) desgranan desde YouTube para audiencias millonarias los estereotipos machistas en el medio; y también los de Lego, a la que ha dedicado dos programas. Marvel y DC se han puesto las pilas para crear mujeres alejadas de ese sueño húmedo de adolescentes varones que han plagado las viñetas de superhéroes: y así ha nacido el Thor mujer o la rediseñada Bat-Girl. Y webs como Reel Girl —fundada por la articulista de CNN o Fox News Margot Magowan y con un eslogan pegadizo: “Imaginando la igualdad en el mundo fantástico”— se dedican a rastrear en el género de moda en la cultura, el fantástico, todos los tópicos machistas que plagan cualquier obra, como, por ejemplo, la película de Lego, un éxito que recaudó casi 350 millones de euros con un presupuesto de menos de 45.

La división española reconoce

que los juguetes de la compañía

danesa eran antes más unisex

Pero lo curioso es que todo este debate no hubiera salpicado al titán danés hace tres décadas. Salto en el tiempo a 1981. Rachel Giordano, una modelo infantil de anuncios norteamericana, posaba con vaqueros y camiseta en un anuncio con el titular: Lo que es eshermoso (What it is is beautiful). En él se leía este eslogan: “Los kit universales de construcción Lego ayudarán a tus niños a descubrir algo muy, muy especial: a sí mismos”. La web Womenyoushouldknow entrevistó a Giordano, ahora una médica de 37 años, y la exmodelo lo tiene claro: “Los niños no han cambiado, pero los adultos que los buscan como clientes sí lo han hecho… ¿Qué tenemos que perder, amén de los estereotipos?”. Luego, al preguntarle a Ridruejo, director general de Lego España, por el tópico rosa-azul usado para diferenciar la línea Friends, responde: “No es exactamente rosa, es morado”.

La estética Yayoi Kusama

Entre todos los universos creativos de la artista viva más valorada del planeta, la moda ocupó gran parte de su obsesiva búsqueda vital.

Yayoi Kusama
Olvidada por el stablishment del arte durante más de dos décadas, la azarosa vida de Yayoi Kusama podría servir de modelo a una de esas películas basadas en hechos reales. No en vano su autobiografía, La red infinita (2011), aún no traducida al español, es un superventas en Japón. Pintora, escultora, instaladora, cineasta, performer, poeta, novelista y diseñadora de moda, la autodenominada «princesa de los lunares» es la artista viva más valorada del planeta. Si a finales de los 90 la galerista Paula Cooper conseguía, en una tienda de despojos neoyorquina, una de sus esculturas-silla cubiertas de furúnculos fálicos por unos 250 dólares, una década después sus lienzos se subastaban en Christie’s por algo más de cinco millones. Otra anécdota más para la historia de esosoutsiders que pasan de la marginalidad al reconocimiento mundial.

Un cargamento de quimonos fue de lo poco que se llevó a Nueva York cuando, quizá debido a su contumaz deseo de convertirse en una estrella internacional, aterrizó allí con 27 años. Era 1958, y no pudo elegir fecha mejor. La ciudad bullía en creatividad: el expresionismo abstracto deslumbraba al mundo, y fermentaban otros movimientos como el minimalismo, el pop, el op-art, el arte conceptual y hasta el fluxus.

Yayoi Kusama

Su obra Flower Overcoat (1962).

Foto: Steve Eichner / WWD

Yayoi estaba en el epicentro de la movida. Y lo aprovechó. Ayudada por la pintora Georgia O’Keeffe, con la que mantenía una relación epistolar, pronto se hizo un hueco en la escena, exponiendo y relacionándose de cerca con un nutrido grupo de grandes artistas: Warhol, Donald Judd, Eva Hesse, Claes Oldenburg, On Kawara… La pequeña y frágil muchacha oriental supo destacar desde su llegada. Su primer contacto consciente con la moda fue intervenir sus quimonos con sus característicos lunares, y vestirlos en las reuniones adecuadas. Así atrajo la atención de todos.

«Un aspecto admirable de Kusama, nunca visto antes, fue esa vehemente actitud publicitaria, ese férreo control sobre su imagen y la voluntad de expandirla convirtiéndose en un agente provocador, apoyándose en su look y también en lo que ahora llamamos networking: trataba de conocer a todo el mundo, manejaba sus contactos. En eso inspiró a más de una generación de artistas», explica Frances Morris, jefa de colecciones de arte internacional en la Tate Modern londinense y comisaria de la última gran retrospectiva sobre la artista, vista en Londres, Madrid, Buenos Aires y, actualmente, en São Paulo.

Lo cierto es que, en los casi 15 años que permaneció allí, Kusama se ganó duramente un estatus: definió su pintura abstracta a partir de infinitas redes de lunares (que asociaba con el sol, la luna, la tierra y el ser), imbricó escultura y pintura en sus series de Acumulaciones, con esos reconocibles furúnculos como eje, y fue también pionera ejecutando pinturas como una actividad preformativa. Incluso tanteó el cine experimental. Y creó su propia marca de moda. Su frenética actividad no conocía límites.

Yayoi Kusama

Atmósfera para Louis Vuitton en Nueva York (2012).

Foto: Cordon Press

El «‘look’ Kusama» se hizo oficial. Dentro de ese universo totalizador y envolvente que la artista quería crear, el interés de Kusama por la moda, por su apariencia, lo que ya se ha denominado oficialmente el «look Kusama», surgió de una forma necesaria. «Era una extensión natural de su trabajo performativo, un paso obligatorio para ese universo cerrado y propio que quería inventar», afirma Agustín Pérez Rubio, recién nombrado director artístico del MALBA de Buenos Aires, que acogió el pasado año su exposición. Ella registró su marca, Kusama Fashion Company Ltd, en 1968. A través de ésta comenzó a producir textiles estampados y también su propia ropa. Llegó a tener uncorner en los almacenes Bloomingdale’s. «Pero su efecto en la moda en aquel momento fue nulo. Los que marcaron un antes y un después eran gente como Mary Quant o los diseñadores de la tienda neoyorquina Paraphernalia. Kusama fue quizá una anécdota en aquel contexto», establece la periodista y experta en moda Silvia Alexandrowitch. Efectivamente, su principal clienta era ella misma. A medida que sus acciones e instalaciones se volvían más ambiciosas, su imagen también adquiría más importancia. «Kusama controlaba los shootings para registrar sus piezas, articulándolos como auténticas sesiones de fotos y siendo muy consciente del resultado final», precisa Morris. Entre su variada producción, y gracias a la eclosión del movimiento hippie, al que rápidamente se sumó (sus redes de lunares alucinatorias tenían efectivamente mucho que ver con la psicodelia), la japonesa empezó a crear ropas en las que estos enfatizaban zonas antes concebidas como tabú: pechos y genitales.

Yayoi Kusama

Zapato de la colección Monogram Vernis de Yayoi Kusama para Louis Vuitton.

Foto: Cortesía de Louis Vuitton

De la mano de sus performances y happenings, en la que ella y sus colaboradores eran los protagonistas, su trabajo en moda se amplió. En 1968, su acción a favor del matrimonio gay,Homosexual Wedding, la obligó a crear complicadas piezas de diseño: aplicó a la ropa los principios de sus Acumulaciones, creando un orgiástico vestido de boda para ser llevado por dos personas a la vez, donde sus furuncu-falos lo invadían todo. Y, claro, estos saltaron a blusas y zapatos. Siguió experimentando, como otros artistas coetáneos, tipo Franz Erhard Walther, con estas prendas colaborativas: amplias piezas textiles que había que vestir en grupo y que facilitaban cierta intimidad sensual (cuando no estaban directamente vinculadas al amor libre). Hoy resulta obvia también su condición de precursora del feminismo y de la liberación sexual de la mujer, y sus postulados siguen vigentes en movimientos propios de este siglo, como el posporno.

Sube el color. Usando la fotografía como en las revistas de moda e incorporando cada vez más a susperformances acciones cercanas a lo que podía ser una pasarela, un desfile, fue transformando su estilo en función de su trabajo plástico, alternando aquellos primeros quimonos con monos ultraceñidos de un único color, como ese de un intenso rojo que llevaba cuando se fotografió con una de sus obras más significativas, Infinity Mirror: Phalli’s Field (1965), una habitación de espejos infinitos con el suelo cubierto de pseudofalos tentaculares con lunares rojos sobre blanco, que perfilaría definitivamente su universo. Esta tónica se mantiene hoy: creaciones recientes como sus vistosas calabazas moteadas han traído aparejadas vestidos amplios que reproducen la piel de puntos de estas esculturas y que ella misma viste.

A nadie le pasó desapercibido el quimono plateado que llevó en 1966, cuando fue invitada a participar en la Bienal de Venecia con una instalación de bolas plateadas sobre la hierba, Narcissus Garden, que deslumbró al mundo. Estaba en el cenit de su carrera. Pero estos años de actividad febril también se vieron marcados por otras constantes vitales que la llevarían hacia la marginación posterior: crisis de ansiedad y agotamiento, una precariedad económica absoluta que se convirtió en obsesión, relaciones románticas pero sin sexo con multitud de hombres, generalmente mecenas o artistas como Joseph Cornell, y sobre todo claras señas de un incremento de su trastorno obsesivo-compulsivo, que como toda su obra parte de un terrible trauma infantil: de niña, su madre la obligaba a espiar las infidelidades de su progenitor con las geishas del lugar, para relatárselas con detalle después. La ansiedad y alucinaciones que le provocó esto son el origen de sus lunares.

Yayoi Kusama

Sus obras más recientes, como Once the Abominable War is Over, Happiness Fills our Hearts (Cuando la abominable guerra termina, la felicidad invade nuestros corazones, 2010) no renuncian a la reivindicación.

Foto: Cortesía del Instituto Tomie Ohtake, Sâo Paulo

A la muerte de Cornell, fiel amigo, apoyo y sustento, en 1972, Kusama abandonó definitivamente Nueva York. Ella acusa a su psiquiatra, freudiano, de agravar su estado mental. En Tokio, con una terapia basada en potenciar su creatividad («Si no fuera por el arte, me habría matado hace mucho tiempo», ha reconocido en multitud de ocasiones), siguió trabajando en obras más introspectivas: retomó la pintura y comenzó a publicar poemas y novelas, como Manhattan Suicide Addict (1977). Hoy, a sus 85 años, Yayoi Kusama aún sigue viviendo en el sanatorio mental Siwa, en el barrio de Shinyoku, donde ingresó por voluntad propia en 1974.

Su nombre cayó en un olvido en Occidente sin su acuciante presencia para defenderlo. No en Japón: cuando en 1993 fue invitada de nuevo a la Bienal de Venecia como representante de su país, el mundo la redescubrió. Comenzaron a gestarse nuevas y gigantescas exposiciones. Con ellas, llegaron premios internacionales como la Orden de las Artes y las Letras francesa o la del Sol Naciente en Japón. Y entonces apareció Marc Jacobs, conmovido por el carácter obsesivo y la inocencia de su arte, quien la visitó en su estudio en 2006. El diseñador, director artístico de Louis Vuitton en aquel momento, tenía una propuesta que hacerle. «Jacobs es un hombre muy astuto, no un creador en el sentido antiguo del término, sino un gran estilista: un hombre esponja que se inspira y aprovecha todo lo que le rodea», matiza Alexandrowitch. «Si a esto unimos que la marca de lujo por excelencia tenía en los nuevos ricos orientales –rusos y asiáticos– un mercado cada vez más suculento e importante, pocas dudas caben de los motivos para que le ofreciera una colaboración a la artista, como antes ya había hecho con Takashi Murakami».

Su colección de vestuario, zapatos, accesorios, relojes y joyas para Louis Vuitton fue un éxito –sobre todo en Oriente– e incorporó a la artista a la iconosfera mundial, volviéndola reconocible no solo a la élite del arte, sino también a la gran masa universal de interesados por la moda. Kusama se convirtió en el icono inclasificable que es hoy. «El reconocimiento de los últimos años no es una moda pasajera», afirma Pérez Rubio. «Se la olvidó porque el sistema del arte entonces era claramente patriarcal, anglosajón o eurocentrista. Ella era mujer y oriental, de la periferia. Y tenía problemas mentales. Pero la foto oficial no está completa sin ella. Se la ha recuperado para que se quede: para que forme parte definitiva de la historia del arte».

Trump Winery, un capricho a la altura

84E4E194-2C39-464E-BB30-A6E554A5F833Martes 22 de Julio.- Punta Pacífica, Ciudad de Panamá. Trump Ocean Club International Hotel & Tower es una caja de sorpresas. Además de sus tres lujosos restaurantes, un embarcadero propio, un complejo residencial y, próximamente, un Casino que dará que hablar, observamos multiples detalles que nunca dejan de sorprender al visitante. Al llegar a  BARcelona, Tejas o al emblemático salón Cava 15 descubrimos nuevas sorpresas, como la variedad de vinos de la firma Trump que comporta una historia digna de escuchar.

Trump Winery es una bodega sofisticada y de calidad que cuenta con casi 1.300 hectáreas de 2EF12D8F-BDB3-4547-B0F7-5C9E1A9AF2CDimpresionantes paisajes. Está situada en el corazón de la ruta del vino de Monticello, en Charlottesville, Virginia (Estados Unidos). Narra la historia que el tercer Presidente de los Estados Unidos, el padre fundador Thomas Jefferson, fruto de su amor por el vino producido por los terruños franceses, cosechó las primeras semillas en su tierra, Monticello. Ahí comenzó a fabricar vinos del Nuevo Mundo inspirados en la vieja Europa, con características muy similares y hoy contamos con variedades como Chardonnay, Meritage, Rosé, Blanc y Rosé.

Estos caprichos los podemos disfrutar hoy en el edificio más icónico de América Central, Trump Ocean Club International Hotel & Tower Panama y descubrir unos vinos cargados de historia, de tradición y de una mezcla de sabores que entrelazan el Viejo Mundo con el Nuevo. Todo un capricho a la altura de la firma Trump.

Lista abierta de pecados de la vida móvil

Por: Karelia Vázquez | 11 de febrero de 2014


© Gloria Rodríguez

La mala educación siempre existió, nadie ha dado por abolidas las reglas de urbanidad pero con la llegada de los dispositivos móviles e interactivos, léase smartphones y tabletas, las antiguas normas de cortesía y convivencia se han relajado. Algunas han desaparecido o se consideran una conducta vintage o un comportamiento exótico.

Es un asunto universal. La revista TIME reblogeó un post de Techlicious llamado 5 Annoying Tech Habits that Need to Stop que enumeraba cinco acciones que antes se consideraban propias de personas mal educadas y que ahora, por obra y gracia de la tecnología, se toleran con gracia y soltura.

Cierto que en los primeros años de vida digital estuviéramos extasiados con nuestrosgadgtes, el wifi, Internet, las cámaras … y la euforia de la vida móvil nos hizo perdonarlo todo, pero a estas alturas del partido ya es hora de empezar a quejarnos, o  de pensar que quizás a mi vecino de asiento en el autobús no le interesa la conversación que mantengo con mi madre mientras lo miro a los ojos, no por nada, sino porque lo tengo enfrente y es imposible mirar a otro lado.

El autor del post de Techlicious propone estos cinco malos hábitos tecnológicos como candidatos definitivos a la hoguera. Veamos:

1. Conversaciones en voz alta con público

Esta puede ocurrir en dos versiones, con el teléfono pegado a la oreja y chillando al modo clásico, o en su versión de alto ejecutivo estresado y paranoico, que no pega el móvil a su cerebro por si el cáncer y grita moviendo los brazos y la cabeza Ayer me he tropezado con este ejemplar en un supermercado. Este tipo de conversaciones no se detiene ni siquiera cuando la gente sube al autobús o entra en un ascensor. Conozco a una persona que escribe una novela con fragmentos de conversaciones telefónicas escuchadas al azar. Al menos servirán para hacer literatura.

2. Hacer fotos con una tableta

Según el autor, a pesar de los esfuerzos de Apple por hacerlo pasar como normal, nunca se debe hacer una foto con una tableta. “Parecerás un tonto”, asegura. Su argumento es que las cámaras en las tabletas existen para darle dos usos: Skype y Facetime, y hacer fotografías no es uno de ellos. Es cierto que es mucho más intrusivo hacer una foto con una tableta, los teléfonos son más pequeños y discretos. Pero en este punto tengo dudas razonables.

3. Acaparar la banda ancha de una red wifi pública

Las redes wireless de sitios como McDonald’s o Starbucks son patrimonio de la humanidad, y así deben ser tratadas. Todo el que suele viajar al extranjero y no lleva un teléfono de empresa sabe lo que significa encontrar un wifi gratuito en su camino. Pues es una falta de cortesía gigantesca usarla para ver en streaming el capítulo de una serie mientras te bebes tranquilamente un Tall Capuccino. La velocidad se reducirá a la mitad para el resto.

4. Compartir fotos sin permiso de los implicados

Esto es obvio, y no merece comentarios

5. Enviar Whatsapps o SMS que pueden esperar durante una conversación cara a cara

Es una manera rápida de decir que te estás aburriendo y que preferirías estar en cualquier otro sitio. Ya puede uno buscar cualquier excusa, el otro mientras espera que termines es lo que está pensando. Hay otra versión todavía peor, cuando la conversación transcurre entre varias personas y se empiezan a Whatsapear dos de ellas, a veces sobre algún tema que se está discutiendo en grupo. ¡Ayy cómo somos!

Antigurú también ha hecho su lista de pecados capitales.

  • Caminar por las calles y las aceras mientras se consulta el teléfono

Es peligroso, no solo para ti que puedes chocar con una farola o ser atropellado, sino para el resto de la humanidad que puede chocar contigo. Hay cifras: Más de la mitad (53%) de los propietarios de un teléfono móvil han tenido un tropezón o un choque con una persona u objeto por caminar  mirando el teléfono, según una encuesta realizada por una operadora estadounidense de telefonía. Otro estudio de la Universidad Estatal de Ohio en Estados Unidos afirma que las personas heridas y atendidas en los servicios de urgencias y que reconocen que iban distraídas con el móvil se han duplicado desde 2005 hasta la fecha. Un asunto del que ya hablamos en Antigurú.

  • Seguir mirando fotos en un teléfono si solo te han enseñado una

El móvil es un dispositivo personal e intransferible como el DNI. También sabemos que alberga bacterias, fluidos varios y secretos de estado. Si alguien te acerca su teléfono para enseñarte una foto, por favor abstente de seguir deslizando tu dedo por la pantalla para ver las siguientes. Estás metiendo las narices en su vida privada y cometes un abuso de confianza en toda regla. Si el propietario del teléfono quiere, te enseñará otras fotos, pero hasta entonces mantén las manos quietas, aunque te tengas que sentar encima de ellas.

  • Mirar a la pantalla ajena cuando llega una notificación, mirar a la pantalla ajena cuando su dueño está metiendo la contraseña. En general, mirar a la pantalla ajena

Es la versión moderna de la vieja del visillo. ¿Qué se te ha perdido en la pantalla de al lado?

  • Monopolizar el enchufe en los bares

Aceptamos que luches a brazo partido por quedarte con la mesa más cercana al enchufe, pero una vez que hayas cargado el teléfono déjalo libre que, te puedo asegurar, que más de uno estará esperando. Si el teléfono ya ha pasado el 60% de carga es deseable que cedas el enchufe al siguiente. Soy consciente de que esto último es más generosidad y altruismo que cortesía y vida real.

  • Una vez iniciada una conversación dejar al otro colgado en Whatsapp

En la vida analógica no hay dudas de que esto te daría problemas. Contesta “sí” , “no”, “no sé”, manda cualquier cosa, aunque sea la mierda con ojos, pero da señales de vida.

  • Usar más emoticonos que palabras  en los mensajes

La mayoría de nosotros somos animales racionales que dominamos un idioma bastante más preciso que el paquete de emojis que todos conocemos. Está bien tirar de muñecos para evitar exponernos en una situación incómoda o para tantear el terreno, pero cumplidos los quince años, deberíamos sentirnos más cómodos con las palabras. La cosa va de apoyar nuestro discurso en los emoticonos, no de convertirnos en los reyes de la ambigüedad.

La lista es más larga. Estoy segura. Ponga usted, querido lector, sus pecados o los de sus amigos. Aquí lo perdonamos todos.